POUSH #3 Chaillot invite

→RECUMBENT REST, 2025
→EXSURGING VOID Part II, 2025

Recouverte d’un tissu translucide, qui en dévoile les contours en filigrane par le mouvement du drapé, la moto n’a rien d’une épave et renvoie davantage à l’iconographie du gisant. Comme les meubles qu’on recouvre, pour les protéger du passage du temps, la moto voilée (Recumbent Rest) – non sans pudeur, mais en majesté – devient matrice formelle de l’exposition, dans le geste de ready-made augmenté. Hector Garoscio joue sur un Om guttural, dense et abyssal, qui oscille entre vibration incantatoire et masse tellurique. Ce « bruit noir » agit comme un rituel dépouillé, une onde de résonance qui absorbe l’espace et le temps.

→Dichotomy, 2025

Dans un aperçu du visible et de l'invisible, Il tisse une double réalité, un rêve miroir. Une lame aux bords à la fois aigus et dissimulés, Reflétant l’état dans lequel nous nous trouvons révélé. Le visible, Une toile blanche, pristine et brillante, Avec une peau polie et un plaisir de manucure. L’ombre projetée n’est pas la sienne, L'invisible, Sous la surface se trouve un royaume secret, Où les actions se distordent sous le joug de la gravité. Un corps en mouvement, suant et libre, Portant un sourire qui murmure une douleur subtile et un cri. L’état poli et fragmenté contre la réalité cachée — où les corps s’entrelacent dans des positions extrêmes pour s’adapter au contexte du mur — représentant l’effort physique et l’illusion brisée et polie. Ainsi, le mur cache littéralement le travail douloureux des performers, ne montrant qu’un seul aspect de la situation. Pourtant, la vérité persiste ; nous ne voyons qu’un seul côté de l’histoire et en raterons l’autre partie de la réalité...

→Par sympathie 1, 2025

Par sympathie 1 est une installation sonore sculpturale et une performance live multicanale qui explore la résonance comme phénomène physique, social et métaphysique : une relation au monde impliquant réponse imprévisible et transformation mutuelle. Trente-sept transducteurs activent les tables d’harmonie de 24 pianos récupérés, transformant ces surfaces en membranes vibrantes. Le son ne se projette pas : il circule, s’imprime dans la matière, s’étire dans le temps et revient altéré. Le système de diffusion, entièrement modulaire, est conçu pour dialoguer avec l’architecture acoustique de chaque lieu. Pour cette première variation, le Foyer de Chaillot - Théâtre national de la Danse devient à la fois support, partenaire et résonateur actif. Le public est invité à circuler librement parmi les structures, découvrant interférences, échos fantômes et micro-espaces vibratoires. Chaque mise en place implique une phase d’écoute et de calibration spécifique aux fréquences, silences et résonances du lieu. Inspirées des miroirs acoustiques militaires du XXe siècle, les formes sculpturales ne sont plus des instruments à jouer mais des corps poreux, capables d’écouter. Cette pièce constitue aussi un geste de libération : celle d’instruments abandonnés depuis parfois des décennies, délestés de leur fonction percussive et ici rendus à une vie vibrante, à l’écoute de leur environnement. Cette pièce résonne également avec l’histoire même du Palais de Chaillot, dont l’architecture néoclassique monumentale a servi de caisse de résonance à des moments clés du XXe siècle. Pensé pour incarner la puissance à l’occasion de l’Exposition universelle de 1937, le bâtiment a tour à tour amplifié les discours de domination coloniale, de démonstration militaire, de propagande nazie, puis de réconciliation diplomatique, en accueillant les premières assemblées générales de l’ONU et l’adoption de la Déclaration universelle des droits de l’homme. Par sympathie 1 propose une autre écoute : horizontale, poreuse, partagée. Ici, ce ne sont plus les voix des puissants qui vibrent, mais celles de corps oubliés, reconfigurés pour accueillir ce que le lieu murmure encore. La composition diffusée lors de la performance s’appuie sur des archives historiques du lieu, des éléments sonores liés à ma recherche, et des enregistrements réalisés directement sur les pianos — résonances captées par contact, boucles de feedback entre les structures, fragments mélodiques joués une dernière fois avant leur transformation. Cette matière est articulée dans une forme à la fois chorégraphiée et improvisée,comme une rencontre sensible entre l’artiste, l’espace, les instruments et leur mémoire.

→Mirages ordinaires, 2025

« Mirages ordinaires» est une installation vidéo dans laquelle j’explore la poésie discrète de nos routines quotidiennes, automatiques. Grâce à la technologie de capture de mouvement, j’ai enregistré mes mouvements habituels dans mon appartement, lui-même scanné en 3D. Dans la vidéo,seuls les vêtements que je portais flottent dans un espace vide, répétant à l’infini ces gestes inconscients qui finissent par dévoiler peu à peu l’environnement. Ces motifs fragiles apparaissent comme des constellations ou des particules de poussière en suspension , des structures à la fois intimes et collectives, surgissant et disparaissant avec la fugacité d’un mirage. À travers cette œuvre, j’interroge les structures invisibles qui façonnent nos comportements et nos perceptions. Ces rituels, à la fois personnels et partagés, nous relient autant qu’ils nous enferment. Ordinary Mirages révèle ainsi un espace construit par le geste, vidé de présence, suspendu entre réalité et illusion.

→Corpsx, 2025

Corpsx - est une installation de plusieurs pièces de Winnie Mo Rielly suspendues dans l’espace d’exposition du Théâtre Chaillot. Ces quatre pièces sont semblables à des membres, des articulations qui récompensent la fondation d’un corps : le squelette. Travaillant la sculpture et la représentation figurative, Corpsx - se présente comme un élan d’un mouvement figé par le temps et contraint par l’espace qui l’entoure.

Hector Garoscio

Hector Garoscio (né à Paris en 1992) conjugue photographies, pièces détachées et arrangements sonores pour évoluer sous l’onde des rêves et des souvenirs, entre les nappes d’une rivière souterraine ressurgissant d’un monde sans lumière. Ces œuvres se présentent comme une métaphore d’exsurgence. Avec ces «ready-made augmentés» il recompose les fragments d’un passé comme les ornements d’une relique.

Federico González Sosa (Suricata)

Musicien et artiste sonore mexicain basé à Paris, Federico González développe une pratique pluridisciplinaire à la croisée des traditions auditives autochtones et des musiques électroniques expérimentales. Son parcours — du piano classique au jazz, en passant par la communication sonore et la fabrication de dispositifs DIY — l’amène à concevoir ses propres systèmes sonores et outils de création. Il explore le son comme vecteur d’identité culturelle et de transformation sociale, mêlant enregistrements de terrain, circuits électroniques faits main et une identité afro/indo/latine ancrée dans le présent.Son travail s’articule autour de l’écoute attentive, de la mémoire collective et de la spatialisation du son, qu’il aborde à travers la création de médias immersifs et d’installations sonores. Sous le pseudonyme “Suricata”, il interroge les dynamiques communautaires, les formes d’intelligence collective et les savoirs ancestraux. En tissant des liens entre les héritages sonores autochtones et la culture rave, il conçoit des expériences qui brouillent les frontières entre rituel, fête et art sonore — repensant la musique comme un espace d’émancipation et de lien social.

Pascal Hachem

Le travail de Hachem et la ville sont profondément liés. La vie continue d’un jour à l’autre sans savoir ce que demain apportera. Par conséquent, la perception de l’artiste sur l’avenir et son incertitude définissent la nature transitoire de son travail, de sorte qu’une pièce a rempli son objectif une fois qu’elle est exposée et que le message est transmis. Cette caractéristique éphémère peut être considérée comme motivée par l’instinct de survie durant une période politiquement volatile.Il a récemment exposé dans des institutions internationales, notamment lors de Desert X AlUla 2024 - les Mosaic Rooms, Londres, Royaume-Uni - le Gwangju Museum of Art, Gwangju, Corée du Sud - la Fondation Mario Merz, Turin, Italie - la Collection Lambert, Avignon, France - et le Kunsthaus Dresden, Allemagne. Le travail de Hachem fait partie de plusieurs collections d’art prestigieuses, notamment le musée V&A, Londres - la Fondation Kamel Lazaar, Tunisie - la Collection Nadour, Allemagne - la Collection Farook, Dubaï, ÉAU - et la Collection Galila Barzilai-Hollander, Belgique.

Winnie Mo Rielly

Winnie Mo Rielly (née à Londres, Royaume-Uni) vit et travaille à Paris, France. Diplômée d’un BA et MA de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2020, elle gagne le prix multimédia décerné La Fondation de la France. Elle prépare actuellement sa première exposition solo institutionnelle en France, à la MEP à Paris. Ses œuvres naviguent entre sculptures, son, dessin, peinture, photographie et installation. Sa pratique multidisciplinaire entremêle une cartographie des mouvements corporels documentés et diverses perceptions de l’espace ; commentant la complexité des paysages habités. Winnie Mo Rielly brouille la frontière entre réalité et l’imagination. Invitée à exposer son travail récent à Balice Hertling, l’exposition Rapture a souligné ses sculptures symbolisant la rencontre entre la chair de la Terre et la chair du corps. Elle est soutenue par la région Ile-de-France et récompensée par le prix des talents émergents FoRTe, sestravaux récents ont été exposés au Frac Ile-de-France /Les Réserves, Château La Coste, Galerie Sans Titre, Bremond Capela, Les Rencontres d’Arles, La Fondation Fiminco, La Maison Chaumet, Le Palais des Beaux-arts de Paris, Bagnoler. Ses œuvres font partie de collections telles que La Maison Dior, La Société Générale, Chaumet.

Jisoo Yoo

Née en 1990 en Corée du Sud, Jisoo Yoo vit et travaille en France. Elle est diplômée de l’École nationale supérieure d’Art de Paris-Cergy (2018) et du Fresnoy – Studio national des arts contemporains (2023). Son travail a été récompensé par plusieurs prix, dont le Prix BIC (2017), le Prix du Jury à la 18e Biennale d’Art Contemporain de Champigny (2022), le prix « Révélation Art Numérique - Art Vidéo » de l’ADAGP (2023) ainsi que le Prix Carré sur Seine (2024). À travers une pratique variée mêlant dessin, installation et performance, Jisoo Yoo développe un univers autour des notions de fragilité et d’incertitude qui s’immiscent dans nos perceptions quotidiennes. Dans son travail, les choses que l’on croit habituellement solides – au sens physique comme psychologique – deviennent fluides, inconstantes, éphémères et fantomatiques. Par sa pratique artistique, Jisoo Yoo questionne la manière dont les normes conditionnent notre vision du monde, de nous-mêmes et de notre environnement. Le concept du « chez soi » est pour elle une construction perceptive : à la fois partout et nulle part. C’est autour de cette idée, celle des identités momentanées, qu’elle poursuit sa recherche plastique et conceptuelle.